El mundo que tanto amó conquistar en el lienzo, aunque de ese mundo terminó irremediablemente rechazado, con su apasionada atención a la tierra y esa humildad sagrada, que ennoblece el cansancio del hombre, con el ojo puesto en los suburbios parisinos, un universo tan atractivo como para cautivar la imaginación.
Después de un extenso trabajo preparatorio, que duró 5 años, finalmente desde mañana en el Palacio Bonaparte de Roma abre puertas la esperada exposición sobre Vincent van Gogh, que exhibirá unas 50 obras maestras de esa leyenda hasta el 26 de marzo de 2023.
Se trata de pinturas que pertenecen al museo Kroller-Müller en Otterlo y que se centran en toda la parábola existencial y creativa del pintor más querido de todos los tiempos.
Producida y organizada por Arthemisia y comisariada por Maria Teresa Benedetti y Francesca Villanti, la exposición sigue paso a paso la fase intensa (aunque corta, solo unos diez años) de la carrera del genio holandés y ofrece al público la posibilidad admirar no solo piezas universalmente conocidas, sino también obras raramente vistas.
Emergerá allí, siempre constante, un sufrimiento que se transforma en energía inagotable, en colores que reinventar y formas continuamente nuevas y en esa luz, que se encuentra en la exuberante paz del sur de Francia a fines del siglo XIX, que aún hoy calienta el alma.
Si el «punto culminante» de la exposición es sin duda el «Autorretrato» sobre fondo azul con toques verdes de 1887 (aquí en su primer lanzamiento público después de la restauración hecha en Otterlo), una obra de extraordinaria audacia, con la que el pintor quiere dejar un rastro de sí mismo y de su inquietudes, de hecho, no faltan valiosos dibujos y obras sobre el papel rara vez salía del museo de Países Bajos.
Dividida en 5 secciones, la exposición -en la que aparecen también documentos personales del artista y un preciso resumen didáctico- profundiza las fases creativas del pintor siguiendo sus movimientos. Desde Holanda, donde comienza Van Gogh carrera contando la tierra y el trabajo de los campesinos con colores oscuros y un realismo muy duro, a París, donde las afueras de la ciudad lo atraparon y el enfrentamiento con pintores como Signac, Seurat y Gauguin lo empujan a idear un nuevo lenguaje, con combinaciones de colores sin precedentes.
Luego la llegada a Arles, donde Van Gogh se inspira en las mezclas de luces sureñas, la experiencia del claroscuro holandés al parisino en color para crear nuevos efectos, que los materializa en el lienzo, hasta el último período, el de Saint-Remy-de-Provence y Auvers-sur-Oise, donde vuelve al uso de un color más simple, a menudo pintando al aire libre pero lucha con el agravamiento definitivo de su inestabilidad mental.
Una evolución estilística y un viaje humano presente en las obras expuestas: desde el «Sembrador», realizado en Arles en junio de 1888, en el que van Gogh se desvía hacia un uso metafísico del color, «El Jardín del hospital en Saint-Remy», de 1889 en el que el cromatismo se convierte en un tumulto intrincado, hasta «Anciano en pena» (a las puertas de la eternidad) de 1890, obra dramáticamente eficaz, que precede y en cierto sentido se convierte en metáfora de la muerte del pintor, que se suicida ese año.
Pero la exposición también ofrece la oportunidad de aprender sobre la historia prestigiosa del museo de Otterlo, fruto de la pasión por el arte de su creadora, Helene Kroller-Muller, que entre 1907 y 1938 conforma una colección sin igual en Europa. El museo, cuya colección de obras de Van Gogh -91 pinturas y 180 dibujos- es el segundo más grande del mundo (el primero es el museo Van Gogh en Amsterdam), cuenta también con algunos obras maestras absolutas, como «Retrato de mujer joven» de Picasso, «En el café» de August Renoir y «Atiti» de Paul Gauguin.
«Van Gogh en vida estuvo descuidado y sin amor, a pesar de que amaba tanto al mundo que lo rodeaba. Después de la muerte, sin embargo, hubo un motín y un destino radiante. Su historia está toda aquí», dijo la curadora Benedetti en la presentación de la exposición. «Su sufrimiento, también por la enfermedad, era el alimento de su arte. Casi le tenía miedo a esta energía, pero la necesitaba para lograr ese tono alto en el color. El público de todos los tiempos lo amaba y lo ama por su carga de humanidad y por esa capacidad creativa de rara belleza y complejidad», completó. (ANSA).
